Ruth Asawa -Ruth Asawa

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Ruth Asawa
Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa en 1952
Ruth Aiko Asawa

( 24/01/1926 )24 janvier 1926
Norwalk, Californie, États-Unis
Décédés 6 août 2013 (2013-08-06)(87 ans)
Éducation Collège de la montagne noire
Connu pour Sculpture
Conjoint(s)
Albert Lanier
( en 1949 ; décédé en 2008 )
Enfants 6
Site Internet ruthasawa.com _

Ruth Aiko Asawa (24 janvier 1926 - 6 août 2013) était une sculptrice moderniste américaine . Son travail est présenté dans les collections du Solomon R. Guggenheim Museum et du Whitney Museum of American Art à New York. Quinze des sculptures en fil de fer d'Asawa sont exposées en permanence dans la tour du musée de Young de San Francisco dans le Golden Gate Park, et plusieurs de ses fontaines sont situées dans des lieux publics de San Francisco. Elle était une défenseure de l'éducation artistique et la force motrice de la création de la San Francisco School of the Arts, qui a été rebaptisée Ruth Asawa San Francisco School of the Arts en 2010. En 2020, le US Postal Servicehonoré son travail en produisant une série de dix timbres qui commémorent ses célèbres sculptures en fil de fer.

Première vie et éducation

Ruth Asawa est née en 1926 à Norwalk, en Californie, et était l'une des sept enfants. Ses parents, immigrants du Japon, ont exploité une ferme de camions jusqu'à l' internement des Américains d'origine japonaise pendant la Seconde Guerre mondiale . À l'exception du père de Ruth, la famille a été internée dans un centre de rassemblement installé à la hâte sur l' hippodrome de Santa Anita pendant une grande partie de 1942, après quoi ils ont été envoyés au Rohwer War Relocation Center dans l'Arkansas . Le père de Ruth, Umakichi Asawa, a été arrêté par des agents du FBI en février 1942 et interné dans un camp de détention au Nouveau-Mexique . Pendant les six mois qui ont suivi, la famille Asawa n'a pas su s'il était vivant ou mort. Asawa n'a pas vu son père pendant six ans. La sœur cadette de Ruth, Nancy (Kimiko), rendait visite à sa famille au Japon lorsque sa famille a été internée. Elle n'a pas pu revenir, car les États-Unis ont empêché l'entrée même des citoyens américains du Japon. Nancy a été forcée de rester au Japon pendant toute la durée de la guerre. Asawa a dit à propos de l'internement :

Je n'ai aucune hostilité pour ce qui s'est passé; Je n'accuse personne. Parfois, le bien passe par l'adversité. Je ne serais pas qui je suis aujourd'hui sans l'internement, et j'aime qui je suis.

Asawa s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge. Enfant, elle a été encouragée par son professeur de troisième année à créer ses propres œuvres d'art. En conséquence, en 1939, Asawa a reçu le premier prix d'un concours d'arts scolaires pour des œuvres d'art explorant les thèmes de l'identité américaine.

Après avoir obtenu son diplôme du lycée du centre d'internement, Asawa a fréquenté le Milwaukee State Teachers College, dans l'intention de devenir professeur d'art. Elle a été empêchée d'aller à l'université sur la côte californienne, car la guerre s'était poursuivie et la zone de son université prévue était toujours déclarée interdite aux Japonais de souche, qu'ils soient ou non citoyens américains. Incapable d'être embauchée pour l'enseignement pratique requis pour obtenir son diplôme, elle a quitté le Wisconsin sans diplôme. (Le Wisconsin lui a décerné le diplôme en 1998.) Asawa a raconté une expérience lors d'un arrêt dans le Missouri pour utiliser les toilettes alors qu'elle et sa sœur ne savaient pas quelle salle de bain utiliser. Il y avait des toilettes colorées et blanches à l'arrêt de bus et en raison de la discrimination raciale à l'époque, ils ont choisi d'utiliser les toilettes colorées. Une fois à Black Mountain, il y avait plus d'égalité pour elle et les autres étudiants des minorités, y compris les autres Américains d'origine asiatique et afro-américaine. Sur le campus, ils étaient égaux, mais en ville, la réalité du racisme en Amérique était évidente. Cela a conduit à un sens direct de la conscience sociale dans les sculptures d'Asawa et à une intimité influencée par l'adversité que sa famille a vécue en tant que minorité en Amérique.

L'été avant sa dernière année à Milwaukee, Asawa s'est rendue au Mexique avec sa sœur aînée Lois (Masako). Asawa a suivi un cours d'art à l' Universidad Nacional Autonoma de Mexico ; parmi ses professeurs se trouvait Clara Porset, une décoratrice d'intérieur cubaine. Ami de l'artiste Josef Albers, Porset a parlé à Asawa du Black Mountain College où il enseignait. Asawa raconte :

On m'a dit qu'il pourrait être difficile pour moi, avec les souvenirs de la guerre encore frais, de travailler dans une école publique. Ma vie pourrait même être en danger. Ce fut une aubaine, car cela m'a encouragé à poursuivre mon intérêt pour l'art, et je me suis ensuite inscrit au Black Mountain College en Caroline du Nord.

De 1946 à 1949, elle étudie au Black Mountain College avec Josef Albers . Asawa a appris à utiliser des matériaux courants d'Albers et a commencé à expérimenter le fil, en utilisant une variété de techniques. Comme tous les étudiants du Black Mountain College, Asawa a suivi des cours sur différentes formes d'art et cette approche interdisciplinaire a contribué à façonner sa pratique artistique. Son étude du dessin avec Ilya Bolotowsky et Josef Albers a été formatrice. Ses dessins de cette époque explorent le motif et la répétition, et elle était particulièrement intriguée par le méandre en tant que motif. Elle a été particulièrement influencée par les sessions d'été de 1946 et 1948, qui comportaient des cours de l'artiste Jacob Lawrence, conservateur de la photographie et historien Beaumont Newhall, Jean Varda, compositeur John Cage, chorégraphe Merce Cunningham, artiste Willem de Kooning, sculpteur Leo Amino, et R Buckminster Fuller . Selon Asawa, les cours de danse qu'elle a suivis avec Merce Cunningham ont été particulièrement inspirants. Dans une classe qui comprenait un camarade Rauschenberg Asawa a rapporté qu'ils avaient dévalé une grande colline comme s'il s'agissait d'une danse avec des torches enflammées faisant exploser le Sacre du printemps de Stravinsky. En revanche, Asawa a décrit ses expériences d'études avec Josef Albers comme plus formalistes et ce que d'autres étudiants ont décrit comme un comportement fasciste et n'a pas pris en compte les sentiments de ses étudiants dans ses enseignements. Elle l'a cité comme disant "Si vous voulez vous exprimer, faites-le pendant votre temps libre. Ne le faites pas dans ma classe." Il a préféré enseigner l'exploration et la découverte à travers la conception plutôt que les connaissances gratuites régurgitées enseignées par d'autres universitaires. Asawa s'est associée à cette approche en raison des antécédents culturels de sa famille et de ce qu'elle décrit comme une intolérance aux émotions.

Carrière

Les sculptures d'Asawa exposées à la galerie David Zwirner à New York

Dans les années 1950, alors qu'il était étudiant au Black Mountain College d'Asheville, en Caroline du Nord, Asawa a réalisé une série de sculptures en fil de fer au crochet sous diverses formes abstraites. Asawa a estimé qu'elle et ses camarades étaient en avance sur l'administration en développant leur propre forme de modernisme dans la sculpture, en essayant constamment de nouvelles choses. Elle a commencé avec des conceptions de paniers, puis a exploré des formes biomorphiques suspendues au plafond. Elle a appris la technique du fil de crochet lors d'un voyage pour rendre visite à Josef Albers alors qu'il était en congé sabbatique en 1947 à Toluca, au Mexique, où les villageois utilisaient une technique similaire pour fabriquer des paniers à partir de fil galvanisé. Elle a expliqué:

Je m'y suis intéressé à cause de l'économie d'une ligne, faire quelque chose dans l'espace, l'enfermer sans l'obturer. C'est toujours transparent. Je me suis rendu compte que si j'allais faire ces formes, qui s'emboîtent et s'entremêlent, cela ne peut se faire qu'avec un trait car un trait peut aller n'importe où.

Après son voyage au Mexique, le professeur de dessin d'Asawa, Ilya Bolotowsky, a noté que son intérêt pour le dessin conventionnel avait été remplacé par une fascination pour l'utilisation du fil comme moyen de dessiner dans l'espace. Ses sculptures en fil de fer bouclé explorent la relation entre les volumes intérieurs et extérieurs, créant, comme elle le dit, "une forme qui était à la fois à l'intérieur et à l'extérieur". Ils ont été décrits comme incarnant divers états matériels : intérieur et extérieur, ligne et volume, passé et futur. Awawa a déclaré: "C'était en 1946 quand je pensais que j'étais moderne. Mais maintenant, nous sommes en 2002 et vous ne pouvez pas être moderne pour toujours." alors qu'elle développait sa matérialité et ses techniques, expérimentant des moyens manuels de communication visuelle. L'expérimentation a été essentielle pour trouver son identité visuelle en tant qu'artiste. Bien que sa technique de fabrication de sculptures ressemble au tissage, elle n'a pas étudié le tissage et n'a pas non plus utilisé de matériaux en fibres. Les matériaux comptaient. En tant qu'étudiant pauvre, Asawa a adopté des objets trouvés peu coûteux tels que des pierres, des feuilles et des bâtons, car ils n'avaient ni les fonds ni l'accès à du bon papier. La proximité et la découverte étaient leur ressource.

Les sculptures en fil de fer d'Asawa lui ont valu la notoriété dans les années 1950, lorsque son travail est apparu à plusieurs reprises à la Biennale de Whitney, dans une exposition de 1954 au Musée d'art moderne de San Francisco et à la Biennale d'art de São Paulo en 1955 .

En 1962, Asawa a commencé à expérimenter des sculptures en fil noué de formes ramifiées enracinées dans la nature, qui sont devenues de plus en plus géométriques et abstraites à mesure qu'elle continuait à travailler sous cette forme. Avec ces pièces, elle traitait parfois le fil en le galvanisant . Elle a également expérimenté la galvanoplastie, en faisant passer le courant électrique dans la "mauvaise" direction afin de créer des effets de texture. "Ruth était en avance sur son temps pour comprendre comment les sculptures pouvaient fonctionner pour définir et interpréter l'espace", a déclaré Daniell Cornell, conservatrice du de Young Museum à San Francisco. "Cet aspect de son travail anticipe une grande partie du travail d'installation qui a fini par dominer l'art contemporain."

Asawa a participé à la Tamarind Lithography Workshop Fellowship à Los Angeles en 1965 en tant qu'artiste. En collaboration avec les sept graveurs de l'atelier, elle a produit cinquante-deux lithographies d'amis, de famille (y compris ses parents, Umakichi et Haru), d'objets naturels et de plantes.

Dans les années 1960, Asawa a commencé à recevoir des commandes pour des sculptures à grande échelle dans des espaces publics et commerciaux à San Francisco et dans d'autres villes. Awasa a installé sa première sculpture publique, Andrea (1968), après la tombée de la nuit sur la place Ghirardelli, dans l'espoir de créer l'impression qu'elle avait toujours été là. La sculpture représente deux sirènes en bronze coulé dans une fontaine, l'une allaitant un merbaby, éclaboussant parmi les tortues de mer et les grenouilles. L'œuvre a généré beaucoup de controverse sur l'esthétique, le féminisme et l'art public lors de l'installation. Lawrence Halprin, l'architecte paysagiste qui a conçu l'espace riverain, a décrit la sculpture comme un ornement de pelouse de banlieue et a exigé le retrait de l'œuvre d'art. Asawa a répliqué: "Pour les vieux, cela ramènerait le fantasme de leur enfance, et pour les jeunes, cela leur donnerait quelque chose à retenir quand ils vieilliront." De nombreux San Franciscains, en particulier des femmes, ont soutenu la sculpture de sirène d'Asawa et se sont ralliés avec succès à elle pour la protéger.

Près de Union Square (sur Stockton Street, entre Post et Sutter Streets), elle crée une fontaine pour laquelle elle mobilise 200 écoliers pour mouler en pâte des centaines d'images de la ville de San Francisco, qui seront ensuite coulées dans le fer. Au fil des ans, elle a continué à concevoir d'autres fontaines publiques et est devenue connue à San Francisco sous le nom de "dame de la fontaine".

La succession de l'artiste est représentée par la galerie David Zwirner .

Activisme de service public et d'éducation artistique

Asawa avait un engagement passionné et était un ardent défenseur de l'éducation artistique en tant qu'expérience de transformation et d'autonomisation, en particulier pour les enfants. En 1968, elle a été nommée membre de la Commission des arts de San Francisco et a commencé à faire pression sur les politiciens et les fondations caritatives pour soutenir des programmes artistiques qui profiteraient aux jeunes enfants et aux San Franciscains moyens. Asawa a aidé à co-fonder l'atelier d'arts Alvarado pour les écoliers en 1968. Au début des années 1970, cela est devenu le modèle du programme CETA / Neighborhood Arts de la Commission des arts en utilisant l'argent du programme de financement fédéral, le Comprehensive Employment and Training Act (CETA), qui est devenu un programme reproduit à l'échelle nationale employant des artistes de toutes disciplines pour effectuer des travaux de service public pour la ville.

L'approche d'Alvarado visait à intégrer les arts et le jardinage, reflétant la propre éducation d'Asawa dans une ferme. Asawa croyait en une expérience pratique pour les enfants et a suivi l'approche "apprendre en faisant". Asawa croyait en l'avantage d'apprendre aux enfants auprès d'artistes professionnels, ce qu'elle a adopté en apprenant auprès d'artistes en exercice au Black Mountain College . Elle croyait qu'on ne pouvait pas s'attendre à ce que les titulaires de classe enseignent les arts, en plus de toutes leurs autres responsabilités. 85% du budget du programme a été consacré à l'embauche d'artistes et d'interprètes professionnels pour que les étudiants puissent apprendre. Cela a été suivi en 1982 par la construction d'un lycée public d'arts, la San Francisco School of the Arts, qui a été rebaptisée Ruth Asawa San Francisco School of the Arts en son honneur en 2010. Asawa continuerait à siéger au California Arts. Council, le National Endowment for the Arts en 1976, et de 1989 à 1997, elle a été administratrice des Fine Arts Museums de San Francisco .

À la fin de sa vie, Asawa a reconnu que l'éducation artistique était au cœur de l'importance de l'œuvre de sa vie.

Vie privée

En juillet 1949, Asawa épousa l'architecte Albert Lanier, qu'elle rencontra en 1947 au Black Mountain College. Le couple a eu six enfants malgré l'hésitation de Lanier à avoir des enfants: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) et Paul (1959). Albert Lanier est décédé en 2008. Asawa croyait que "les enfants sont comme des plantes. Si vous les nourrissez et les arrosez en général, ils pousseront." Il a dit à un autre artiste et ami à eux "vos peintures seront vos fleurs" et ils n'ont jamais eu d'enfants. Leur mariage inter-racial était controversé à l'époque et a alimenté la direction artistique d'Asawa. La famille a déménagé dans le quartier de Noe Valley sur Castro aux 28 et 23 de San Francisco en 1960, où elle a été active pendant de nombreuses années dans la communauté.

Décès

Asawa est décédée de causes naturelles le 6 août 2013 à son domicile de San Francisco à l'âge de 87 ans.

Récompenses et honneurs

Œuvres choisies

  • Andrea (1966), la fontaine de la sirène à Ghirardelli Square, San Francisco, Californie
  • Fontaine (1973), The Hyatt sur Union Square, San Francisco, Californie
  • Fontaines (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, Californie
  • Aurora (1986), la fontaine d'inspiration origami sur le front de mer de San Francisco.
  • La sculpture commémorative d'internement nippo-américaine (1994) à San Jose, Californie
  • The Garden of Remembrance (2002) à l'Université d'État de San Francisco, San Francisco, Californie

Prix

  • 1966 : premier prix Dymaxion pour artiste/scientifique
  • 1974 : Médaille d'or de l' American Institute of Architects
  • 1990 : Prix Cyril Magnin de la Chambre de commerce de San Francisco
  • 1993 : Prix d'honneur du Women's Caucus for the Arts
  • 1995: Prix ​​d'excellence pour l'ensemble de la carrière de l'anneau d'or de la Asian American Art Foundations
  • 2002 : Doctorat honorifique de l'Université d'État de San Francisco
  • Depuis 1982, San Francisco a déclaré le 12 février "Jour de Ruth Asawa"

Film

  • Snyder, Robert, producteur (1978) Ruth Asawa : On Forms and Growth, Pacific Palisades, CA : Masters and Masterworks Production
  • Directeurs de Soe, Valerie et Ruth Asawa (2003) Each One Teach One: The Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts Program.

Voir également

Références

Lectures complémentaires

  • Abrahamson, Joan et Sally Woodridge (1973) Le programme communautaire d'art de l'école Alvarado. San Francisco : atelier de l'école Alvarado.
  • Bancroft Library (1990) Ruth Asawa, Art, Competence and Citywide Cooperation for San Francisco », dans The Arts and the Community Oral History Project . Université de Californie, Berkeley.
  • Bell, Tiffany et Robert Storr (2017) Ruth Asawa. Livres de David Zwirner : New York.
  • Chase, Marilyn (2020) Tout ce qu'elle a touché : La vie de Ruth Asawa. Livres de chroniques : San Francisco.
  • Cuisinier, Mariana (2000) Couples. Livres de chronique.
  • Cornell, Daniell et al. (2006) La sculpture de Ruth Asawa : contours dans l'air. Presse de l'Université de Californie .
  • Cunningham, Imogen (1970) Photographies, Imogen Cunningham. Presse de l'Université de Washington.
  • D'Aquino, Andrea (2019) Une vie faite à la main : Ruth Asawa (livre pour enfants). Presse architecturale de Princeton.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Communauté et engagement: une entrevue avec Ruth Asawa", dans Art Education vol 34 no 5.
  • Faul, Patricia et al. (1995) La nouvelle femme plus âgée. Arts Célestes.
  • Harris, Mary Emma (1987) Les arts au Black Mountain College. Presse du MIT.
  • Hatfield, Zack. « Ruth Asawa : Tending the Metal Garden », NY Daily, New York Review of Books, 21 septembre 2017
  • Hopkins, Henry et Mimi Jacobs (1982) 50 artistes de la côte ouest. Livres de chronique.
  • Jepson, Andrea et Sharon Litsky (1976) L'expérience d'Alvarado. Atelier d'art d'Alvarado.
  • Laib, Jonathan et al. (2015) Ruth Asawa : ligne par ligne. Catalogue des spectacles de Christie's.
  • McClintock, Elizabeth (1977) Le jardin de thé japonais, Golden Gate Park. San Francisco : La Société John McLaren. (Illustrations de plantes par Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) Sur les femmes ayant 70 ans : honorer les voix de la sagesse. Jossey-Bass.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) Sculptrices américaines. Salle GK.
  • Musée d'art de San Francisco . (1973) Ruth Asawa : Une vue rétrospective . Musée d'art de San Francisco.
  • Schatz, Howard (1992) Femme douée. Presse photographique du Pacifique.
  • Schenkenberg, Tamara et al. (2019) Ruth Asawa : L'œuvre d'une vie. New Haven : Presse universitaire de Yale.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: A Sculpting Life (livre pour enfants). Gretna, Louisiane : Édition Pelican.
  • Villa, Carlos et al. (1994) Worlds in Collision: Dialogues on Multicultural Art Issues. Institut d'art de San Francisco.
  • Woodridge, Sally (1973) La fontaine de San Francisco de Ruth Asawa. Musée d'art de San Francisco .

Liens externes