Ruth Asawa -Ruth Asawa

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Ruth Asawa
Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa em 1952
Nascer
Ruth Aiko Asawa

( 24-01-1926 )24 de janeiro de 1926
Morreu 6 de agosto de 2013 (2013-08-06)(87 anos)
Educação Faculdade Montanha Negra
Conhecido por Escultura
Cônjuge(s)
Albert Lanier
( m. 1949; falecido em 2008 )
Crianças 6
Local na rede Internet ruthasawa. com

Ruth Aiko Asawa (24 de janeiro de 1926 - 6 de agosto de 2013) foi uma escultora modernista americana . Seu trabalho é apresentado em coleções no Solomon R. Guggenheim Museum e no Whitney Museum of American Art em Nova York. Quinze das esculturas de arame de Asawa estão em exibição permanente na torre do Young Museum de São Francisco, no Golden Gate Park, e várias de suas fontes estão localizadas em locais públicos em São Francisco. Ela era uma defensora da educação artística e a força motriz por trás da criação da San Francisco School of the Arts, que foi renomeada Ruth Asawa San Francisco School of the Arts em 2010. Em 2020, o Serviço Postal dos EUAhomenageou seu trabalho produzindo uma série de dez selos que comemoram suas conhecidas esculturas de arame.

Infância e educação

Ruth Asawa nasceu em 1926 em Norwalk, Califórnia e foi um dos sete filhos. Seus pais, imigrantes do Japão, operaram uma fazenda de caminhões até o internamento nipo-americano durante a Segunda Guerra Mundial . Com exceção do pai de Ruth, a família foi internada em um centro de montagem montado às pressas no hipódromo de Santa Anita durante grande parte de 1942, após o qual foram enviados para o Rohwer War Relocation Center, no Arkansas . O pai de Ruth, Umakichi Asawa, foi preso por agentes do FBI em fevereiro de 1942 e internado em um campo de detenção no Novo México . Nos seis meses seguintes, a família Asawa não sabia se ele estava vivo ou morto. Asawa não viu seu pai por seis anos. A irmã mais nova de Ruth, Nancy (Kimiko), estava visitando a família no Japão quando sua família foi internada. Ela não pôde retornar, pois os EUA impediram a entrada até mesmo de cidadãos americanos do Japão. Nancy foi forçada a ficar no Japão durante a guerra. Asawa disse sobre o internamento:

Não guardo hostilidades pelo que aconteceu; Eu não culpo ninguém. Às vezes, o bem vem através da adversidade. Não seria quem sou hoje se não fosse a internação, e gosto de quem sou.

Asawa se interessou pela arte desde cedo. Quando criança, ela foi incentivada por sua professora da terceira série a criar sua própria obra de arte. Como resultado, em 1939, Asawa recebeu o primeiro prêmio em um concurso de artes da escola por obras de arte que exploravam temas da identidade americana.

Após sua formatura na escola secundária do centro de internação, Asawa frequentou a Milwaukee State Teachers College, com a intenção de se tornar professora de arte. Ela foi impedida de frequentar a faculdade na costa da Califórnia, pois a guerra continuava e a zona de sua faculdade pretendida ainda era declarada proibida para japoneses étnicos, fossem eles cidadãos americanos ou não. Incapaz de ser contratada para o ensino prático necessário para concluir seu curso, ela deixou Wisconsin sem um diploma. (Wisconsin concedeu-lhe o diploma em 1998.) Asawa contou uma experiência ao parar no Missouri para usar o banheiro, quando ela e sua irmã não sabiam qual banheiro usar. Havia um banheiro de cor e um branco no ponto de ônibus e por causa da discriminação racial na época eles optaram por usar o banheiro de cor. Uma vez em Black Mountain, houve mais igualdade para ela e outros estudantes de minorias, incluindo outros americanos asiáticos e afro-americanos. Enquanto no campus eles eram iguais, mas na cidade a realidade do racismo na América era evidente. Isso levou a um senso direto de consciência social nas esculturas de Asawa e uma intimidade influenciada pela adversidade que sua família experimentou como minoria na América.

No verão antes de seu último ano em Milwaukee, Asawa viajou para o México com sua irmã mais velha Lois (Masako). Asawa participou de uma aula de arte na Universidade Nacional Autônoma do México ; entre seus professores estava Clara Porset, uma designer de interiores de Cuba. Amigo do artista Josef Albers, Porset contou a Asawa sobre o Black Mountain College, onde lecionava. Asawa contou:

Disseram-me que poderia ser difícil para mim, com as memórias da guerra ainda frescas, trabalhar em uma escola pública. Minha vida pode até estar em perigo. Isso foi uma dádiva de Deus, porque me encorajou a seguir meu interesse pela arte e, posteriormente, me matriculei no Black Mountain College, na Carolina do Norte.

De 1946 a 1949, ela estudou no Black Mountain College com Josef Albers . Asawa aprendeu a usar materiais comuns de Albers e começou a fazer experiências com fios, usando uma variedade de técnicas. Como todos os alunos do Black Mountain College, Asawa fez cursos em uma variedade de diferentes formas de arte e essa abordagem interdisciplinar ajudou a moldar sua prática artística. Seu estudo de desenho com Ilya Bolotowsky e Josef Albers foi formativo. Seus desenhos dessa época exploram padrões e repetições, e ela ficou especialmente intrigada com o meandro como motivo. Ela foi particularmente influenciada pelas sessões de verão de 1946 e 1948, que contaram com cursos do artista Jacob Lawrence, curador de fotografia e historiador Beaumont Newhall, Jean Varda, compositor John Cage, coreógrafo Merce Cunningham, artista Willem de Kooning, escultor Leo Amino e R. .Buckminster Fuller . De acordo com Asawa, os cursos de dança que ela fez com Merce Cunningham foram especialmente inspiradores. Em uma classe que incluiu o colega Rauschenberg Asawa relatou que eles correram por uma grande colina como se fosse uma dança com tochas flamejantes explodindo a Sagração da Primavera de Stravinsky. Em contraste, Asawa descreveu suas experiências estudando com Josef Albers como mais formalista e o que outros alunos descreveram como fascista no comportamento e não considerou os sentimentos de seus alunos em seus ensinamentos. Ela o citou dizendo: "Se você quer se expressar, faça isso no seu próprio tempo. Não faça isso na minha aula". Ele preferia ensinar exploração e descoberta por meio do design, em vez do conhecimento regurgitado e descarregado ensinado por outros acadêmicos. Asawa se conectou com essa abordagem por causa da origem cultural de sua família e do que ela descreve como intolerância à emoção.

Carreira

Esculturas de Asawa exibidas na galeria David Zwirner em Nova York

Na década de 1950, enquanto estudante do Black Mountain College em Asheville, Carolina do Norte, Asawa fez uma série de esculturas de arame de crochê em várias formas abstratas. Asawa sentiu que ela e seus colegas estavam à frente da administração com o desenvolvimento de sua própria forma de modernismo na escultura, constantemente tentando coisas novas. Ela começou com desenhos de cestas e depois explorou formas biomórficas que pendiam do teto. Ela aprendeu a técnica de crochê de arame durante uma viagem para visitar Josef Albers enquanto ele estava de licença em 1947 em Toluca, México, onde os moradores usavam uma técnica semelhante para fazer cestas de arame galvanizado. Ela explicou:

Interessou-me pela economia de uma linha, fazendo algo no espaço, encerrando-o sem bloqueá-lo. Ainda é transparente. Percebi que se eu fosse fazer essas formas, que se entrelaçam e se entrelaçam, isso só pode ser feito com uma linha, porque uma linha pode ir a qualquer lugar.

Após sua viagem ao México, a professora de desenho de Asawa, Ilya Bolotowsky, notou que seu interesse pelo desenho convencional havia sido substituído pelo fascínio pelo uso do fio como forma de desenhar no espaço. Suas esculturas de arame enrolado exploram a relação entre volumes internos e externos, criando, como ela diz, "uma forma que estava dentro e fora ao mesmo tempo". Eles foram descritos como incorporando vários estados materiais: interior e exterior, linha e volume, passado e futuro. Awawa disse: "Foi em 1946 quando eu pensei que era moderno. Mas agora estamos em 2002 e você não pode ser moderno para sempre." enquanto desenvolvia sua materialidade e suas técnicas, experimentando meios manuais de comunicação visual. A experimentação foi fundamental para encontrar sua identidade visual como artista. Embora sua técnica para fazer esculturas se assemelhe à tecelagem, ela não estudou tecelagem, nem utilizou materiais fibrosos. Os materiais importavam. Como um pobre estudante universitário, Asawa abraçou objetos baratos encontrados, como pedras, folhas e gravetos, porque eles não tinham fundos ou acesso a papel de qualidade. Proximidade e descoberta era o seu recurso.

As esculturas de arame de Asawa trouxeram seu destaque na década de 1950, quando seu trabalho apareceu várias vezes na Bienal de Whitney, em uma exposição de 1954 no Museu de Arte Moderna de São Francisco e na Bienal de Arte de São Paulo de 1955 .

Em 1962, Asawa começou a experimentar esculturas de arame amarrado de formas ramificadas enraizadas na natureza, que se tornaram cada vez mais geométricas e abstratas à medida que ela continuava a trabalhar nessa forma. Com essas peças, ela às vezes tratava o fio galvanizando -o. Ela também experimentou com galvanoplastia, executando a corrente elétrica na direção "errada" para criar efeitos de textura. "Ruth estava à frente de seu tempo na compreensão de como as esculturas poderiam funcionar para definir e interpretar o espaço", disse Daniell Cornell, curador do Young Museum em San Francisco. "Este aspecto de seu trabalho antecipa muito do trabalho de instalação que passou a dominar a arte contemporânea."

Asawa participou do Tamarind Lithography Workshop Fellowship em Los Angeles em 1965 como artista. Colaborando com os sete gravadores da oficina, ela produziu cinquenta e duas litografias de amigos, familiares (incluindo seus pais, Umakichi e Haru), objetos naturais e plantas.

Na década de 1960, Asawa começou a receber encomendas para esculturas em grande escala em espaços públicos e comerciais em São Francisco e outras cidades. Awasa instalou sua primeira escultura pública, Andrea (1968), depois de escurecer na Praça Ghirardelli, na esperança de criar a impressão de que sempre esteve lá. A escultura retrata duas sereias de bronze fundido em uma fonte, uma amamentando um bebê merbaby, espirrando entre tartarugas marinhas e sapos. A obra de arte gerou muita controvérsia sobre estética, feminismo e arte pública na instalação. Lawrence Halprin, o arquiteto paisagista que projetou o espaço à beira-mar, descreveu a escultura como um ornamento de gramado suburbano e exigiu a remoção da obra de arte. Asawa rebateu: "Para os velhos, traria de volta a fantasia de sua infância e, para os jovens, lhes daria algo para lembrar quando envelhecerem". Muitos são franciscanos, especialmente mulheres, apoiaram a escultura de sereia de Asawa e se uniram com sucesso para protegê-la.

Perto da Union Square (na Stockton Street, entre as ruas Post e Sutter), ela criou um chafariz para o qual mobilizou 200 alunos para moldar centenas de imagens da cidade de São Francisco em massa, que depois eram fundidas em ferro. Ao longo dos anos, ela passou a projetar outras fontes públicas e ficou conhecida em São Francisco como a "dama das fontes".

O espólio do artista é representado pela David Zwirner Gallery .

Serviço público e ativismo pela educação artística

Asawa tinha um compromisso apaixonado e era um ardente defensor da educação artística como uma experiência transformadora e empoderadora, especialmente para crianças. Em 1968, ela foi nomeada membro da Comissão de Artes de São Francisco e começou a pressionar políticos e fundações de caridade para apoiar programas de artes que beneficiariam crianças pequenas e cidadãos comuns de São Francisco. Asawa ajudou a co-fundar o Alvarado Arts Workshop para crianças em idade escolar em 1968. No início da década de 1970, isso se tornou o modelo para o CETA / Neighborhood Arts Program da Art Commission, usando dinheiro do programa de financiamento federal, o Comprehensive Employment and Training Act (CETA), que se tornou um programa replicado nacionalmente, empregando artistas de todas as disciplinas para fazer trabalhos de serviço público para a cidade.

A abordagem Alvarado trabalhou para integrar as artes e jardinagem, espelhando a própria criação de Asawa em uma fazenda. Asawa acreditava em uma experiência prática para crianças e seguiu a abordagem "aprender fazendo". Asawa acreditava no benefício de as crianças aprenderem com artistas profissionais, algo que ela adotou ao aprender com artistas praticantes no Black Mountain College . Ela acreditava que os professores de sala de aula não deveriam ensinar artes, além de todas as suas outras responsabilidades. 85 por cento do orçamento do programa foi para a contratação de artistas e artistas profissionais para os alunos aprenderem. Isso foi seguido em 1982 pela construção de uma escola pública de artes, a Escola de Artes de São Francisco, que foi renomeada para Escola de Artes de Ruth Asawa San Francisco em sua homenagem em 2010. Asawa iria servir na Escola de Artes da Califórnia. Council, o National Endowment for the Arts em 1976 e, de 1989 a 1997, atuou como administradora dos Museus de Belas Artes de São Francisco .

No final de sua vida, Asawa reconheceu a educação artística como central para a importância do trabalho de sua vida.

Vida pessoal

Em julho de 1949, Asawa casou-se com o arquiteto Albert Lanier, que conheceu em 1947 no Black Mountain College. O casal teve seis filhos, apesar da hesitação de Lanier em ter filhos: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) e Paul (1959). Albert Lanier morreu em 2008. Asawa acreditava que "as crianças são como as plantas. Se você as alimentar e regar, geralmente elas crescerão". Ele disse a outro artista e amigo deles "suas pinturas serão suas flores" e eles nunca tiveram filhos. Seu casamento inter-racial foi controverso na época e alimentou a direção artística de Asawa. A família mudou-se para o bairro Noe Valley em Castro nos dias 28 e 23, de San Francisco em 1960, onde atuou por muitos anos na comunidade.

Morte

Asawa morreu de causas naturais em 6 de agosto de 2013, em sua casa em São Francisco, aos 87 anos.

Premios e honras

Trabalhos selecionados

  • Andrea (1966), a fonte da sereia na Ghirardelli Square, San Francisco, Califórnia
  • Fountain (1973), The Hyatt on Union Square, San Francisco, Califórnia
  • Fontes (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, Califórnia
  • Aurora (1986), a fonte inspirada em origami na orla de São Francisco.
  • A Escultura Memorial de Internamento Japonês-Americano (1994) em San Jose, Califórnia
  • The Garden of Remembrance (2002) na San Francisco State University, San Francisco, Califórnia

Prêmios

  • 1966: Primeiro Prêmio Dymaxion para Artista/Cientista
  • 1974: Medalha de Ouro do Instituto Americano de Arquitetos
  • 1990: Prêmio Cyril Magnin da Câmara de Comércio de São Francisco
  • 1993: Prêmio de Honra do Women's Caucus for the Arts
  • 1995: Asian American Art Foundations Golden Ring Lifetime Achievement Award
  • 2002: doutorado honorário pela San Francisco State University
  • Desde 1982, San Francisco declarou 12 de fevereiro como o "Dia de Ruth Asawa"

Filme

  • Snyder, Robert, produtor (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth, Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Production
  • Diretores de Soe, Valerie e Ruth Asawa (2003) Cada um ensina um: The Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts Program.

Veja também

Referências

Leitura adicional

  • Abrahamson, Joan e Sally Woodridge (1973) O Programa da Comunidade de Arte da Escola Alvarado. São Francisco: Oficina da Escola Alvarado.
  • Biblioteca Bancroft (1990) Ruth Asawa, Art, Competence and Citywide Cooperation for San Francisco, " em The Arts and the Community Oral History Project . University of California, Berkeley.
  • Bell, Tiffany e Robert Storr (2017) Ruth Asawa. Livros de David Zwirner: Nova York.
  • Chase, Marilyn (2020) Tudo o que ela tocou: A vida de Ruth Asawa. Chronicle Books: São Francisco.
  • Cook, Mariana (2000) Casais. Livros de Crônicas.
  • Cornell, Daniell et ai. (2006) A Escultura de Ruth Asawa: Contornos no Ar. Imprensa da Universidade da Califórnia .
  • Cunningham, Imogen (1970) Fotografias, Imogen Cunningham. Imprensa da Universidade de Washington.
  • D'Aquino, Andrea (2019) Uma vida feita à mão: Ruth Asawa (livro infantil). Imprensa de arquitetura de Princeton.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Community and Commitment: An Interview with Ruth Asawa", in Art Education vol 34 no 5.
  • Faul, Patrícia et ai. (1995) A Nova Mulher Mais Velha. Artes Celestiais.
  • Harris, Mary Emma (1987) As Artes no Black Mountain College. Imprensa do MIT.
  • Hatfield, Zack. "Ruth Asawa: Tending the Metal Garden", NY Daily, New York Review of Books, 21 de setembro de 2017
  • Hopkins, Henry e Mimi Jacobs (1982) 50 artistas da Costa Oeste. Livros de Crônicas.
  • Jepson, Andrea e Sharon Litsky (1976) A Experiência Alvarado. Oficina de Arte Alvarado.
  • Laib, Jonathan et ai. (2015) Ruth Asawa: Linha por linha. Catálogo de shows da Christie's.
  • McClintock, Elizabeth (1977) The Japanese Tea Garden, Golden Gate Park. San Francisco: The John McLaren Society. (Ilustrações de plantas de Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) On Women Turning 70: Honrando as Vozes da Sabedoria. Jossey Bass.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) American Women Sculptors. Salão G.K.
  • Museu de Arte de São Francisco . (1973) Ruth Asawa: Uma Visão Retrospectiva . Museu de Arte de São Francisco.
  • Schatz, Howard (1992) Mulher Superdotada. Imprensa Fotográfica do Pacífico.
  • Schenkenberg, Tamara et ai. (2019) Ruth Asawa: o trabalho da vida. New Haven: Yale University Press.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: A Sculpting Life (livro infantil). Gretna, Louisiana: Pelican Publishing.
  • Villa, Carlos et ai. (1994) Worlds in Collision: Dialogues on Multicultural Art Issues. Instituto de Arte de São Francisco.
  • Woodridge, Sally (1973) Fonte de São Francisco de Ruth Asawa. Museu de Arte de São Francisco .

links externos